音樂創作的發展，自十九世紀末進入二十世紀這個從原先調性音樂(Tonal Music)轉型到非調性音樂(Atonal Music)的過渡期開始，作曲家們為了突破以往的 窠臼，在創作上開始各式各樣的大膽嘗試，從最開始仍以傳統樂器演奏為基礎，
打破調性結構的十二音列 (Twelve-tone)，到以音列的手法為基礎的序列音樂 (Serialism)。後來更是為了追求音響上的突破，使得電子、科技等元素也成為音樂 創作中的一部份。
說到科技對於在音樂創作上的影響，最早的起源可以追朔回二十世紀初，電 子音樂(Electroacoustic Music)的發跡。一開始，如同上段所言，只因為原有的各種 古典樂器所發出的音色對於作曲家們而言已經不再滿足；因此，作曲家們開始朝 向科技方面尋求新的出路，發明出各種符合自己需要的、藉著電子合成出獨有音 色的各式電子樂器，有些是將舊有的古典樂器電子化、其餘有些是完全創新、有 著機械外表的樂器。
在當時作曲家的作品中用到電子樂器的例子，像是法國作曲家瓦瑞斯(Edgard Varese, 1886-1965)於 1934 年創作的作品《赤道》(Ecuatorial, 1934)中就使用了兩台
用到六台「馬特農」(Martenot)，2 其他電子樂器還有漢蒙德(Laurens Hammond, 1895-1973)於 1933 至 34 年間發明的「電子管風琴」(Electronic organ)。同時，作 曲家米堯(Darius Milhuad, 1892-1974)、亨德密特(Paul Hindmith, 1895-1963)、瓦瑞 斯等人也藉由當時的留聲機(phonographs)技術去改變早期創作錄音的速率，造成音 高的改變，而真正第一首以留聲機技術來創作的作曲家是約翰・凱基的(John Cage, 1912-1992)於 1939 年的作品《第一號幻想風景》(Imaginary Landscape No.1, 1939)。
接續著是利用錄音技術而得以發展的具象音樂(Musique Concrete)，最早是由 法國人薛費爾(Pierre Schaeffer, 1910- )藉由種種不同的方式加工錄下各式各樣現實 中「自然的」聲音，像是改變錄音速率、將錄音本身逆行(tape reversal)以及混合不 同的聲音(overdubbing)等等。而這些技術真正實際應用、並創作成完整的作品，則 是在法國作曲家亨利(Pierre Henry, 1927- )1950 年的作品《一個人的交響曲》
(Symphony for a Man Alone, 1950)，在這首作品中可以聽到，作曲家現實中錄下的 呼吸聲、笑聲、講話聲這些人聲，混合了交響樂、腳步聲等其他聲音。
繼電子樂器跟錄音技術之後，真正完全的電子音樂的發跡，則從德國作曲家 艾麥特(Herbert Eimert, 1897- )在科隆設立的電子工作室開始。艾麥特以錄音後制的 技術為 基礎 ， 同 時也 加入新 的設 備 - 震盪 器 (Oscillator)和 聲音 產生裝 置 (Noise generator)，藉由這兩種新的裝置，作曲家不需再仰賴預錄的現實中聲音為創作基 礎，可以直接產生他們想要的各式電子聲音。如此的技術發展對於序列音樂 (Serialism)的作曲家們而言是一大福音，這代表著他們能藉此他們不止能操控音高 和長短，也能操控聲音的元素本身。而首位在作品中體現這項技術的作曲家，即 為史托克豪森(Karlheinz Stockhausen, 1928-2007)分別於 1953 和 1954 創作的《一號
2 馬特農琴(Martenot)：由馬特農(Maurice Martenot, 1898-1980)於 1928 年發明的電子 樂器，同樣也能持續的在一定的音域內演奏，但在音高的控制上做了改良，同時也具有更 多樣性的音色變化。
研究》(Study I, 1953)以及《二號研究》(Study II, 1954)兩首作品，而在 1960 年代之 後，電子音樂已經不像早期僅為嘗試性、實驗性的創作，反而成為當十音樂創作 不可或缺的一個要素，如此的景像大約持續到了 1970 年代左右。
電子音樂崛起後，電腦音樂也隨之在 1950 年代後期出現。最初能在電腦上使 用的聲音合成程式出現於 1957 年，由美國電子工程師馬修斯(Max V. Matthews, 1926-2011)在貝爾實驗室中研發完成的第一套能產生音樂聲響程式。而這套程式在 1964 年首先在普林斯頓大學中使用，史丹佛大學也隨後跟進使用；歐洲方面，最 早的電腦音樂工作室亦在 1964 年設立在荷蘭的烏德勒支(Utrecht)，但早年的電腦 音樂，儘管是一項嶄新的技術，卻沒有引起大量作曲家們的興趣，反而是到了 1980 年代之後才逐漸擴展至今。
第一節 研究目的
電腦科技的發展對現在當代的台灣作曲家們而言，是一個既具有發展潛力卻 又不敢輕易嘗試的領域，它時時刻刻都不斷進步、替作曲家們提供新的意外跟驚 喜，也使得眾多作曲家都亟欲去嘗試。但進步也意味著它本身將存在各式各樣的 變因，也成為這塊領域之所以讓人卻步的原因之一，另一個原因是，它除了需要 作曲家們在音樂創作領域中所學習、具備的理論和技術外；更甚者，在於電腦操 作的技術，不同於紙筆創作寫在五線譜上的每個記號、音符等等，需要的是跨領 域的、對於完全截然不同的各式指令上的專業知識，這些也成為對於大部分作曲 家最大的挑戰。
在台灣，隨著時間的流逝，音樂創作和展演的領域，從早期年長、資深的前 輩作曲家們的紙筆創作，到現在，隨著環境改變，改變了作曲家們對於聲響上的 要求，也因此為了追求新的概念跟聲響的需要，加上部分受制於演出人事、經費、
聽眾等考量，越來越多中生代作曲家及新生代的學生投入電腦音樂的創作和應用。
而國內現在音樂創作的慣用程式，目前台灣是以 Max 為主流。然而，筆者在 本論文中，想要探討的是卻是以 Java 程式語言創作音樂的另一個程式：Eclipse，
希望以此提供在電腦音樂創作上的另一個途徑。
第二節 研究範圍
本論文研究範圍，由於預設是以非資訊工程背景的使用者為出發點而撰寫；
因此將從 Eclipse 的背景沿革、Java 程式語言的發展背景為開端做基本介紹。
接著是針對 Eclipse 程式創作時利用的 jMusic 所需的 Java 程式語言為基礎，
從各種基本的運算子、基本邏輯的運算式…如此由淺入深的介紹並配合操作範例 說明。
在基本的敘述式介紹完成後，進一步的，把這些程式設計上的邏輯概念應用 到套用了 jMusic 下的音樂創作層面。在這個部分，筆者將選擇由創作出經典作品
《四分三十三秒》(4’ 33″, 1952)的作曲家約翰・凱基(John Cage, 1912-1992)所提倡 在 1950 年代發跡的不確定主義(Indeterminacy) 說明如何以程式語言做出隨機的概 念，1960 年代盛行一時的極簡主義(Minimalism)則以選擇出特定作品並分析的方式 以最後以融合數學概念的「正弦波」(Sinewave)、「音雲」(Sound Cloud)為基礎的 範例分析；希望儘管在有限狀況或範例的分析之下，可以提供明確如何將數學、
邏輯和音樂創作三者結合的概念。
最後，將這些概念應用到實際作品創作，以階段性引導為探討目標，著重於 相關作品分析與應用手法探討，並且提供實際應用之例證，希望使得其他讀者能 以此為使用此程式的入門操作之參考。
第三節 研究方法
本論文之研究方法分為以下幾種步驟：
一、相關文獻資料探討：提供電腦音樂兩大系統程式之發展背景-Max/Msp 和 jMusic，並比較其不同之處。
二、Java 程式語言基礎概念的介紹：從各式基礎元素的介紹為開端，到完整 的指令、複合指令的分析
三、Java 程式語言之於音樂領域應用：以近代音樂各式風格、主義的作品為 例探討並分析。
四、實際作品操作及應用：透過在作品中實際融入，以此使得各階段性組合 的概念能更加清晰。
五、綜合歸結：以上述各種方法研討，歸結提出 Eclipse 程式應用之我見，作 為本論文研究結論。
在本論文中，所有範例編號將以全形中文數字來編號，且以不分章節的型式 編列，也就是說編號將會從一開始持續往下列出，不隨著章節更新重新編排，如
「範例一」、「範例十五」。
而表格編號將以「表 x-x-x」的方式來編列，第一碼“x”為章數，第二碼“x”為 節數，最後一碼“x”則為同一節中第幾個表格，舉例來說，在第三章第二節中第五 個表格將會編列成「表 3-2-5」以方便閱讀；圖片與譜例也將會以相同方式給予編 號，但圖片第三碼將會以小寫英文字母編寫，如「圖 3-1-a」，譜例部分第三碼將以 羅馬數字編寫，如「譜例 3-1-i」。