攝影繪畫在自身創作中的影響性

攝影繪畫（photopainting，又譯作相片繪畫）是李希特(Gerhard Richter, 1932~）在

1963 年開始的一個系列，他以攝影作品或報章雜誌中的圖片作元素，以低、甚至是無

彩度的狀態呈現作品；但是李希特並不是以攝影繪畫來闡述任何議題或是企圖創造一

種風格，他不願意被拘泥在任何一種主義或形式。從寫實到抽象，從攝影繪畫到色彩

圖，他遊走在許多可能之中，他曾說:

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我對於繪畫主題沒有任何的偏愛，當然有一些事物對我特別有吸 引力，然而我對此不很肯定……

圖 2-7，傑哈．李希特，下樓梯的女人，油彩畫布，198X128cm，1965，芝加哥藝術學院藏。

不管任何時期，他以一貫的冷靜，反思，辯證，隨機併發性的狀態進行藝術創作。圖 2-7 為他攝影繪畫其中一張著名作品，由此作品可以一窺他當時創作的想法，這樣的類 似隨機選取的構圖和單色調，是他攝影繪畫的常用手法。他仰賴攝影，對於所挑選的 照片沒有喜好或特定的對象，且大量地使用灰色；他相當重視灰色的運用，認為作品 中最重要的顏色便是灰色。使用灰色不僅是為了模擬報紙的黑白印刷效果，灰色也代 表了李希特一種意欲與主題保持距離的低調及克制的理性，灰色對他而言，是不激起 任何感情或連結的、既不是看得見的、也不是看不見的。毫無疑問的，或多或少當代

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的藝術都會受到他的影響，而他所保持的無定向狀態，令人不能預測他的下一步是什 麼。相對來說筆者創作太空中的獨白系列，是採用非自身拍攝的照片，其中許多照片 並不是特別的攝影器具或是攝影師所拍攝，是以記錄的角度在拍攝太空人在月球上的 活動，而在非以繪畫為目的的拍攝過程中，有很多隨機的構圖，卻有其趣味性；而大 量灰色階的構成能夠使畫面中的元素更加單純。筆者並非為了重製照片而創作，也不 是企圖再現真實，而是透過這樣的場景和物件表達內在感知，而畫面中刻意磨損的細 節也希望能夠營造與觀者的距離感，這樣的語彙構築了筆者企圖在創作中達到的一種 冷調性。

圖 2-8 ，馬如龍 ，《∞》(局部) ，油彩 畫布 116X273cm，2016。

圖 2-8，筆者在創作時將人物至於前方，將影像作變色，以簡單色調處理，並將其部分 模糊震動，省略細節；改變以往的描繪習慣，並非追求客觀的再現。它可能是某個過 去，也可能是某個未來，對於觀者它既熟悉又陌生，藉由這樣的方式觀看到，它既是 瞬間，也是永恆。筆者並不質疑平面繪畫的無可取代性，雖然無法稱自己作一個無定 向的藝術創作者，但透過了解攝影繪畫能夠明白過往所學的觀念，在目前的藝術創作

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中是需要更新的，而風格並不是靠題材來形成，亦或者風格根本不重要---那是一種強 加自身的產物。

我的作品完全沒有批判和諷刺的意義在，相反地，我懷疑用藝術去批 判政治的可能性。即使繪畫產生對於政治和社會的批判，也只是貧乏 的……政治其實怎樣都可以，藝術她的功能是完全不同的，事實上除了創 造之外，藝術無法真正達成其他功能。……如果藝術能夠達成什麼，那麼 就既不是藝術行為，也不是政治行為，只是單單的遊戲罷了。---李希特

李希特在與布克羅(Benjamin Buchlohr,1941~)的訪談時如是說。這應證了台灣當代 的繪畫潮流，也反映了筆者之前在創作中不斷自我考慮的問題：當代的藝術能不能夠 對社會作出批評或反映目前的社會狀況。中生代前輩如梅丁衍(1954~)老師，作品多探 討兩岸的特殊關係及台灣的歷史文化情結，但梅丁衍老師生長的環境與年代正是在那 個中美斷交，兩岸改革開放的時期，且他所用的手法極為成熟，內斂，保留著傳統繪 畫的底蘊卻點出了許多台灣的島國情愫。現代的青年藝術家可能對於兩岸或國家認同 較為模糊，亦或沒有太多感觸，更多的是虛擬時代的網路身分認同和環境的感受，當 然也可以反映社會，但要用屬於年青人的方式；過於沉重的手法於藝術家本身可能也 無法承擔。

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